Mise-en-scène

Por Fernando Oliva

Uma das maneiras de lidar com a tensão latente que é parte indissociável da obra de Regina Parra reside no debate histórico entre o “natural” e o “posado” no gênero do retrato – dilema que remonta ao século 18 (Chardin), atravessa a fotografia moderna no início do século 20 (desde Walker Evans) e chega até a produção contemporânea, seja a pintura figurativa (Gerhard Richter e sua série Baader-Meinhof, Lucian Freud, Luc Tuymans etc. etc.) ou o vídeo (os rostos em still de Julian Opie ou o Zidane de Philippe Parreno/Douglas Gordon).

Como observou o historiador norte-americano Michael Fried ⁽¹⁾, o retrato, mais que qualquer outro gênero, se baseia na apresentação de algo ao olhar do outro (no caso, o público). Ou seja, sua ação básica se resumindo à auto-apresentação do retratado à observação de alguém – no limite, o que se representa é o próprio “estado de observância”. Deste modo, o retrato seria extremamente mal aparelhado para lidar com a necessidade de negar ou neutralizar a presença do observador, uma opção, por excelência, moderna (se até o século 18 o retrato era considerado uma opção menor, isso se devia especialmente a seu grau de “teatricalidade”). Uma estratégia que artistas (como Chardin e Jean-Baptiste van Loo) adotaram para vencer esta limitação foi pintar as pessoas como se absorvidas pelo pensamento ou ocupadas por alguma atividade qualquer (daí a quantidade de retratos em que os personagens lêem cartas, desempenham alguma tarefa doméstica ou simplesmente olham pela janela).

Fried lembra ainda que a “naturalidade” sempre foi uma espécie de ideal fotográfico, baseada na crença de que uma pessoa que é registrada sem perceber revelaria algo de mais verdadeiro em relação a si mesma (os registros não-autorizados, estilo paparazzi, feitos por Walker Evans na década de 1930 foram recebidos como as imagens o mais realista possível da América e do norte-americano). Ao passo que alguém consciente da presença da câmera iria necessariamente “teatralizar” sua auto-apresentação.

Na série Mise-en-scène de Regina Parra vemos a mesma personagem, uma jovem de cabelos loiros e compridos, envolvida em situações cotidianas: sacando dinheiro no caixa eletrônico, saindo do carro no estacionamento, ou esperando para atravessar a rua. Não sabemos se age de maneira “natural” (naturalizada), desempenhando mecanicamente suas ações, ou premeditada, como se cumprisse um roteiro pré-determinado.

Trata-se da imagem da própria artista capturada por câmeras de segurança de circuito fechado. Ela dirige toda a cena: estuda o set, posiciona-se e coordena a execução do registro por outra pessoa, fotógrafo amador. Deste modo, usando uma câmera digital comum ela extrai, diretamente do monitor, um still.

É justamente este momento de tempo/tensão concentrada (espécie de freeze-frame cinematográfico) que tem o poder de promover uma fissura no embate proposto por Michael Fried como “natural versus staged” – além de comentar uma certa crise na noção de gênero, tanto na arte contemporânea como no cinema e na fotografia. Ao assumir papéis simultâneos, de alguém que tem o poder de colocar em cena (metteur-en-scène) e de quem é meramente dirigido, Regina promove um contundente deslocamento na posição e condição do observador: do lugar de espectador passivo para um campo de ambiguidades e paradoxos – como nas narrativas de suspense hollywoodianas, quando duvidamos da integridade do personagem e ficamos totalmente à deriva. E talvez venha daí todo desconforto e instabilidade que estas imagens suscitam.   

(1) FRIED, Michael, Absorption and Theatricality: Painting and Beholder in the Age of Diderot, Chicago Press, 1980.